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• Author, Rafael Abuchaibe
• Role, Da BBC News Mundo
• Twitter, @RafaelAbuchaibe

• Há 19 minutos

Se você tivesse que desenhar uma pessoa e lhe pedissem para fazer o desenho proporcionalmente perfeito, como você faria?

Esse é o desafio enfrentado por todos os artistas desde que o homem começou a pintar nas paredes das cavernas, há mais de 40 mil anos: encontrar um conjunto de regras simples que os ajude a desenhar a figura humana o mais semelhante possível à realidade.

As regras — conhecidas como cânones artísticos — que hoje são ensinadas nas escolas de arte são baseadas em experimentos e medições feitas por centenas de visionários ao longo da história.

Por exemplo, um dos métodos de ensino de desenho mais utilizados, o Loomis, utiliza linhas para dividir o corpo em oito partes iguais, todas do mesmo tamanho da cabeça. Isso significa que, de acordo com esse método, “o corpo humano idealizado tem oito cabeças de altura, o torso tem três cabeças e as pernas têm quatro”.

Com esse método, você pode começar a desenhar uma pessoa proporcionalmente correta usando apenas oito ovais — um em cima do outro.

Mas como surgiu a ideia de se usar linhas para dividir e figuras geométricas para representar o corpo? E quem foram os mais bem-sucedidos em definir as medidas perfeitas?

A BBC News Mundo (serviço em espanhol da BBC) fez uma viagem pela história da arte para conhecer os escultores, pintores e arquitetos que através de sua sensibilidade visual e engenhosidade sem limites (além de muitas tentativas e erros) conseguiram o desenho mais perfeito possível de nós mesmos.

Conheça quatro tentativas de se descobrir as proporções ideais do corpo — até que Leonardo da Vinci alcançou uma teoria que ainda hoje é elogiada.

1. A grade de 18 linhas

Depois de passar anos estudando as obras do antigo Egito, o egiptólogo dinamarquês Erik Iversen publicou em 1955 um livro que mudaria a percepção que as pessoas tinham da arte daquela antiga civilização.

Em seus estudos, Iversen encontrou vestígios de uma grade de 18 linhas horizontais e 18 verticais nas quais algumas imagens humanas foram ilustradas. Todos concordaram que a primeira linha estava na sola do pé da figura e a última na linha onde nasce o cabelo.

Iversen tomou essas medidas e as comparou com diferentes estátuas da época e percebeu que os antigos egípcios usavam essas medidas para manter a proporção adequada da figura humana em suas representações, ou seja, eles tinham o primeiro cânone artístico conhecido por nós.

O estudo dessas proporções, que Iversen compilou em Cânone e proporções na arte egípcia, é uma área que continua até hoje devido aos poucos registros disponíveis.

Mas as descobertas feitas nos últimos anos são muito impressionantes: a historiadora de arte Gay Robbins, em seu livro Proporção e Estilo no Egito Antigo, diz que a grade inicial de 18 linhas pode ter evoluído para uma mais exata, com 19, na medida em que a arte se desenvolveu dentro do império.

2. Policleto e o dedo

Entre 450 e 415 a.C., um escultor grego chamado Policleto começou a produzir belas estátuas de bronze de jovens atletas, mas com certos detalhes que pareciam dar-lhes mais credibilidade.

Policleto teve a ideia de que o corpo deveria ser representado em uma escultura como um sistema de forças e contra-forças — partes do corpo rígidas e relaxadas — para dar uma impressão de dinamismo.

Alguns autores consideram que essas ideias de Policleto foram influenciadas pelas de Pitágoras de Samos e seus seguidores, que acreditavam que tudo no mundo natural seguia uma linguagem básica: a dos números.

No entanto, Francesca Fiorani, professora de arte da Universidade da Virgínia, disse à BBC News Mundo que Policleto foi perspicaz o suficiente para evitar cair em medidas arbitrárias que não funcionariam para diferentes tipos de corpos.

“O cânone de Policleto não é uma regra matemática, é uma regra relacional”, diz ela, referindo-se ao sistema que o escultor usava para tomar partes do corpo como a falange do dedo mínimo como índice de referência para dar as medidas de o corpo inteiro.

Seu sistema foi tão influente no mundo antigo que um escrito do famoso médico grego do primeiro século, Galeno, faz referência ao cânone de Policleto: “A beleza está na simetria das partes [do corpo], como dedo a dedo […] assim como está escrito no cânone de Policleto”.

3. Vitrúvio e o umbigo

Diretamente influenciado pelos conceitos de beleza grega, o conceito de simetria em Roma começou a ser transportado para outras disciplinas, incluindo a arquitetura.

Um soldado e arquiteto romano chamado Vitrúvio assumiu a tarefa de colocar as ideias pitagóricas da matemática no centro de tudo e compilou um tratado de dez livros (De Architectura), no qual estabelece o que um arquiteto faz, que tipo de educação precisa, os tipos de edifícios e estruturas que lhe dizem respeito, de onde vêm os princípios e ideias para a construção e, sobretudo, a importância de imitar a natureza como ponto de partida essencial para o projeto.

Influenciado como Policleto pelos pitagóricos, Vitruvius usa seu terceiro livro sobre arquitetura para sugerir que o desenho do templo perfeito deve ser baseado nas proporções do corpo humano, escrevendo o seguinte: “O umbigo está no centro do corpo humano e, se um homem está deitado de bruços, com as mãos e os pés estendidos, a partir do umbigo como seu centro, pode ser descrito um círculo que tocará seus dedos das mãos e dos pés.

“O corpo humano não está apenas circunscrito a um círculo, mas também pode ser visto colocando-o em uma pintura.”

A intenção era projetar um edifício baseado nessas duas figuras geométricas básicas, o quadrado e o círculo, que mantivessem as proporções corretas do corpo humano.

Para obtê-la, Vitrúvio dá as indicações para um corpo simétrico: “O comprimento de um pé é um sexto da altura do corpo. O antebraço, um quarto. A largura do peito, um quarto.”

De Architectura sobreviveu graças a exemplares guardados em recintos como a biblioteca pessoal de Carlos Magno, e só seria redescoberto mais de 1,4 mil anos depois, no Renascimento.

4. O homem no centro

Em 1486, um humanista interessado nos clássicos do mundo greco-romano, Giovanni Sulpizio da Veroli, teve acesso ao manuscrito vitruviano e publicou pela primeira vez De Architectura.

Graças à imprensa, obras que antes só podiam ser acessadas pela Igreja passaram para o domínio público. E com o interesse renascentista pelos clássicos greco-romanos, o tratado de Vitrúvio tornou-se essencial para os arquitetos da época.

Nomes famosos como Filipo Brunelleschi, que projetou a cúpula da catedral de Santa Maria del Fiore, em Florença, estudaram a obra de Vitrúvio e adaptaram elementos de seu cânone. Ou Francesco di Giorgio e Leonardo da Vinci.

“O que tornou a obra de Vitrúvio atraente para Leonardo e Francesco é que ela deu expressão concreta à analogia que veio de Platão e dos antigos, que se tornou uma metáfora definitiva para o humanismo renascentista”, explica o escritor Walter Isaacson em sua biografia de Leonardo da Vinci: “a relação entre o microcosmo do homem e o macrocosmo da Terra”.

Em seus escritos, Francesco di Giorgio, um dos arquitetos mais renomados de sua época e grande amigo de Leonardo, diz: “Todas as artes e todas as regras do mundo são derivadas de um corpo humano bem composto e bem proporcionado.” Um pensamento muito semelhante ao de Vitrúvio.

Diferentes arquitetos renascentistas, entre eles Giacomo Andrea e Francesco di Giorgio, tentaram seguir as regras vitruvianas, mas teria que ser alguém conhecedor de todos os ramos para as interpretar e executar de forma a marcar a história da arte.

Finalmente, Leonardo

Ao contrário do grupo de arquitetos com quem conviveu nessa fase de sua vida, Leonardo viu algo mais interessante na obra de Vitrúvio. “O interesse de Leonardo é o corpo humano”, explica a professora Francesca Fiorani à BBC News Mundo. Especificamente, “o corpo humano em movimento”.

O desenho do Homem Vitruviano de Leonardo da Vinci está atualmente guardado em uma sala escura na Galeria Accademia em Veneza para evitar a deterioração.

Leonardo o manteve com ele até sua morte e se tornou uma das imagens mais icônicas da cultura ocidental.

Walter Isaacson o descreve em seu livro como “um desenho meticulosamente feito, ao contrário de seus contemporâneos”.

“Em uma de suas anotações, abaixo do desenho, Leonardo descreve aspectos adicionais de posicionamento: ‘Se você abrir as pernas o suficiente para que sua cabeça seja abaixada um quatorze avos de sua altura e você levante as mãos o suficiente para que seus dedos estendidos toquem a linha do topo de sua cabeça, saiba que o centro dos braços estendidos será o umbigo”.

É aí que reside a diferença do pensamento de Leonardo com o de seus contemporâneos, explica Fiorani, que apresenta um estudo sobre o Homem Vitruviano de Da Vinci.

“A preocupação dela não era tanto a arquitetura, mas o corpo humano, e o corpo humano em movimento”, explica a acadêmica à BBC Mundo. “O que ele faz é desenhar um homem com braços e pernas abertos dentro do círculo, mas depois desenha o mesmo homem — não outro — com pernas fechadas e braços abertos, mas em ângulos diferentes.”

“Como o umbigo das duas figuras masculinas é o centro do corpo e do círculo, ele obedece às regras, mas o centro da pintura são os órgãos genitais. O que ele faz é dar a sensação de movimento”, diz Fiorani.

Isaacson conta que, para seu desenho, Leonardo ignorou as medidas do corpo que Vitrúvio havia fornecido — apesar de dar crédito a Vitrúvio pelas medidas do desenho — e usou aquelas que ele mesmo conseguiu identificar.

Os especialistas concordam que o segredo da genialidade de Leonardo foi que ele usou a observação direta e a experimentação em vez de confiar nas regras estabelecidas por outros, e que através de seus estudos anatômicos detalhados usando cadáveres — dos quais são usadas ilustrações em livros médicos até hoje — corrigiu alguns erros cometidos pelo arquiteto romano em suas medidas originais.

Isso se reflete, diz Isaacson, no fato de que menos da metade das 22 medições que Leonardo usou no homem vitruviano coincidem com as que Vitruvius forneceu em seu texto original.

“O comprimento dos braços estendidos é igual à altura de um homem”, lê-se nas notas de rodapé do que o britânico Martin Kemp, historiador de arte e especialista em Leonardo, definiu como “o desenho mais famoso da história”.

Em um estudo realizado em 2020 por especialistas da Academia Militar de West Point, nos Estados Unidos, eles usaram as medidas de quase 65 mil pessoas entre 17 e 21 anos e descobriram que as criadas por Da Vinci — personificadas em seu famoso desenho em 1492 — são fascinantemente próximas da realidade.

Diana Thomas, uma matemática de West Point, disse: “Apesar das diferentes amostras e métodos de cálculo, o corpo humano ideal de Da Vinci e suas proporções eram semelhantes aos obtidos com métodos de medição contemporâneos”.

Após o Renascimento, a arte ocidental deixou de se preocupar tanto em representar a realidade tal como ela é percebida, e passou a experimentar o abstrato — aquelas coisas que percebemos mas não têm uma representação visual natural. Com isso o interesse pelo realismo ficou em segundo plano.

Os métodos modernos — como os Loomis que mencionamos no início — são versões simplificadas dessas regras que Da Vinci levou à sua expressão máxima em um desenho que busca refletir a perfeição geométrica do corpo humano e sua relação com a perfeição geométrica que os pitagóricos viam no cosmos.